Animación – Okuroku Webzine https://www.okuroku.com Anime, Manga, Cómics, Videojuegos, TV, Cine, Música y más Fri, 25 May 2018 11:57:22 +0000 es hourly 1 https://i1.wp.com/www.okuroku.com/wp-content/uploads/2017/07/okurokufavicon.png?fit=32%2C32&ssl=1 Animación – Okuroku Webzine https://www.okuroku.com 32 32 132948011 Rooster Teeth anuncia sus series de animación para 2018 https://www.okuroku.com/rooster-teeth-anuncia-series-animacion-2018/ https://www.okuroku.com/rooster-teeth-anuncia-series-animacion-2018/#respond Tue, 23 Jan 2018 22:35:18 +0000 https://okuroku.com/?p=31655 (Austin, 23 de enero. Nota de Prensa).- FIRST de Rooster Teeth, plataforma que cuenta con más de 250 mil suscriptores, anunció sus series animadas para 2018, incluyendo el volumen 6 de RWBY. El sexto volumen de la aclamada serie RWBY se estrenará el próximo otoño. Además, la programación animada de 2018 de Rooster Teeth incluye …

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(Austin, 23 de enero. Nota de Prensa).- FIRST de Rooster Teeth, plataforma que cuenta con más de 250 mil suscriptores, anunció sus series animadas para 2018, incluyendo el volumen 6 de RWBY.

El sexto volumen de la aclamada serie RWBY se estrenará el próximo otoño. Además, la programación animada de 2018 de Rooster Teeth incluye dos nuevas series: gen:LOCK, una serie inspirada en mechas y la más grande producción de Rooster Teeth desde RWBY; y Nomad of Nowhere, una aventura western que toma detalles de Samurai Jack y que se estrenará el próximo 2 de marzo en FIRST.

En Rooster Teeth el mantra es ‘crea aquello que quisieras ver’ y estamos emocionados de traerles dos nuevas series originales a nuestra comunidad”, fueron las palabras de Gray G. Haddock, Jefe de Animación de Rooster Teeth. “Nos estamos divirtiendo muchísimo y no podemos esperar a compartirlo con Ustedes”.

RWBY

El quinto volumen de RWBY terminó el pasado 20 de enero. Esta temporada atrajo una audiencia por episodio similar a la de series televisivas como Supergirl. El tan anticipado sexto volumen se estrenará el próximo otoño, siguiendo a las cuatro personajes principales Ruby, Weiss, Blake y Yang y sus aventuras en el Mundo de Remnant. RWBY es un excelente anime con gran aceptación internacional; además de ser el primer anime americano de todos los tiempos en ser exportado a Japón.

gen:LOCK

Estando del lado de los perdedores de una guerra global, la última sociedad libre de la Tierra recluta un equipo variado de pilotos para controlar la nueva generación de robots armados similares a mechas gigantes. Sin embargo, estos valientes reclutas encontrarán que sus nuevas habilidades descubiertas vienen a costa de un gran precio.

Nomad of Nowhere

Un nómada misterioso cruza un erial occidental, pero una recompensa por su cabeza lo hace huir de captores y cazarrecompensas, quienes desean tener el premio mayor al capturar al último ser mágico del mundo.

RWBY Chibi

Esta serie ofrece una ventana adorable hacia el excitante Mundo de Remnant. Cada mini episodio presenta a Ruby, Weiss, Blake, Yang y muchos otros de los personajes favoritos de RWBY en situaciones adorables e hilarantes, desde hacer galletas y pancakes, hasta huir de una aspiradora. Una nueva temporada de RWBY Chibi, incluyendo a nuevos personajes de RWBY, empezará este mes.

El resto de la programación animada estará compuesta por: Red vs. Blue, Camp Camp, DEATH BATTLE, DBX y RTAA. Todas las series se estrenan exclusivamente en FIRST y luego se mueven a YouTube y otras plataformas “free to watch”.

Nota de Prensa de Rooster Teeth.

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Hey Arnold!: The Jungle Movie, la esperada conclusión de la serie animada https://www.okuroku.com/hey-arnold-the-jungle-movie-la-esperada-conclusion-la-serie-animada/ https://www.okuroku.com/hey-arnold-the-jungle-movie-la-esperada-conclusion-la-serie-animada/#comments Tue, 28 Nov 2017 13:24:27 +0000 https://okuroku.com/?p=30746 (Monterrey, 27 de noviembre. O’kuroku).- Luego de más de diez años, llega Hey Arnold!: The Jungle Movie, que cierra un ciclo para una de las series animadas más populares y amadas de los 90’s. Hey Arnold!, conocida en Latinoamérica como ¡Oye, Arnold!, fue una de las caricaturas más importantes y recordadas de la grilla de …

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(Monterrey, 27 de noviembre. O’kuroku).- Luego de más de diez años, llega Hey Arnold!: The Jungle Movie, que cierra un ciclo para una de las series animadas más populares y amadas de los 90’s.

Hey Arnold!, conocida en Latinoamérica como ¡Oye, Arnold!, fue una de las caricaturas más importantes y recordadas de la grilla de Nickelodeon en los 90’s (los conocidos Nicktoons), compartiendo su estatus nostálgico casi de culto con otras series como Rocko’s Modern Life, Rugrats o Doug, a pesar de ser relativamente más reciente que éstas.

Con un estilo urbano, con toques de realismo y surrealismo por igual en sus tramas, nos contaba el día a día de Arnold, un chico inteligente y sensato de buen corazón, que vivía con sus abuelos en una casa de huéspedes, iba a la escuela primaria, jugaba y paseaba con sus amigos, involucrándose en una gran cantidad de situaciones; desde las más cotidianas, hasta las más alocadas aventuras que un niño podía vivir en un barrio de gran ciudad.

Sabía además combinar muy bien un estilo de humor inteligente, presentarnos a personajes bastante carismáticos, y aprovechar también para dejarnos algunas enseñanzas o reflexiones entre sus episodios. Su estilo, tanto visual como narrativo, era realmente único. Por eso se ganó fácilmente el cariño de millones de niños y adolescentes que disfrutaron de sus 100 Episodios individuales, repartidos en cinco temporadas.

Una historia digna de ser contada

Hey Arnold!: The Jungle Movie, la esperada conclusión de la serie animada

Pero siempre hubo una pequeña espinita clavada en los fans más acérrimos de esta serie, y que por años nos había mantenido intranquilos: la serie no tenía un final.

Pese a que Hey Arnold! tenía el formato clásico de las caricaturas de su época, con episodios cortos autoconclusivos, y muy pocas veces seguía o desarrollaba una trama general, sí nos presentaba varios elementos recurrentes a lo largo de sus temporadas, que quedaron inconclusos tras su abrupto final en el 2004. Las dos más importantes son la complicada y algo perturbarte relación que se estuvo manejado entre Arnold y Helga. Y claro, la desaparición de los padres de Arnold (dos exploradores reconocidos) cuando éste era apenas un bebé.

Ésta última fue la que quedó más gravada en la mente de la gente, debido al cliffhanger en el que terminó su último episodio, The Journal, en el cual Arnold encuentra el diario de su padre, junto con un mapa de la ruta que tomaron en aquel último viaje. Este final prometía ser de hecho la puerta hacia una película que daría continuidad a este hilo argumental, resolvería los dos temas antes mencionados, y más. Esta película fue conocida como Hey Arnold!: The Jungle Movie, en alusión al viaje que Arnold tendría que hacer a la Jungla para buscar a sus padres. Sin embargo, dicha película no se realizó en aquel entonces.

En el 2002, justo a la mitad de la última temporada, Nickelodeon sacó una película para el cine titulada simplemente Hey Arnold!: The Movie, que si bien no era mala, no cumplió con las expectativas tanto del público como de la casa productora. Este bajo desempeño, trajo consigo muchas consecuencias negativas, incluyendo el final de la serie, la partida del creador, Craig Bartlett, de Nickelodeon, y la cancelación de los planes para realizar Hey Arnold!: The Jungle Movie.

Desde que se dio conocer los planes cancelados de esta película, así como las ideas que se tenían para la historia y algunos artes conceptuales, los fans de la serie se volvieron locos con la idea. Y durante años se mandaron cartas, se recolectaron firmas, se hicieron grupos y discusiones en las redes sociales, se hicieron fanfics, fanarts y cómics alusivos al tema, entre muchas otras cosas. Se expresó abiertamente en incontables ocasiones el interés en ver esta película. Con el paso del tiempo parecía que esto nunca ocurriría… hasta ahora.

Todo comenzó a finales del 2015, cuando Nickelodeon anunció su interés de producir nuevo material basado en sus franquicias más icónicas. En un inicio no mencionó a alguna directamente, pero todos especularon (y deseábamos) con qué se planeaba. Y no fue hasta marzo del año siguiente que tanto Nickelodeon como el propio Craig Bartlett confirmaron que la película de Jungle Movie sería al fin una realidad, de la mano del mismo creador y parte del staff de la serie original.

En Julio de este mismo año, se estuvieron compartiendo artes conceptuales con el público, y en la pasada San Diego Comic-Con se pasó por primera vez un adelanto visual de la película. Y cuatro meses después, durante Acción de Gracias en Estados Unidos, todo se volvió realidad…

La espera valió cada segundo

Hey Arnold!: The Jungle Movie, se desarrolla aproximadamente un año después del final de la serie, en el verano anterior a que Arnold y sus amigos pasen sexto grado. Todo este tiempo, nuestro protagonista cabeza de balón ha estado intentando reunir pistas sobre el paradero de sus padres, sin mucho éxito. Al menos hasta que por azares del destino, se encuentra la oportunidad de ganar un viaje al ficticio país de San Lorenzo, sitio al que sus padres fueron en su última expedición. A pesar de que su abuelo le hace prometer que no intentará buscar a sus padres y exponerse al peligro, Arnold siente que no puede dejar pasar esta oportunidad, que podría ser su última.

La película es todo lo que los fans de la serie habían esperado, y quizás más. La animación y el diseño de personajes, presenta una notoria mejora con respecto a la serie original, cómo era de esperarse por el paso del tiempo. Todos los personajes mantienen la esencia de los originales, trayendo con ellos todos los recuerdos y nostalgia que podrían traer, pero aun así sintiéndose frescos. Arnold, Helga, Gerald y Phoebe son los protagonistas principales de la película sin dudarlo (y en ese orden de importancia), mostrando entre los tres la mayoría del desarrollo de personajes con respecto a sus contrapartes de la serie. Sin embargo, esto provoca que a la vez el resto de los personajes sirvan más como sólo recurso de apoyo para las situaciones y chistes.

Hey Arnold!: The Jungle Movie, la esperada conclusión de la serie animada

No sólo sirve de secuela directa de la serie, sino además de homenaje a ésta. Se encuentra repleta de diálogos, escenas y cameos que hacen alusión a algún episodio icónico de la serie. Hace además aparición varias caras más que conocidas, aunque su mayoría de forma breve. El humor hace muy bien su trabajo, apegándose el estilo de la serie, pero al igual que con sus personajes, se maneja de una forma correcta para no sentirse anticuado.

Algo curioso, por no decir extraño,  fue cómo manejaron el salto tecnológico existente entre el mundo en el que se desarrolla la serie original (finales de los 90’s) y la época actual. Nos coloca en un mundo intermedio entre ambos extremos, presentándonos laptops y celulares que no existían antes, pero igualmente no dejando tan distante el uso de los beepers, por ejemplo. Esto lo hacen posiblemente para no desentonar con las nuevas generaciones que llegasen a ver el especial, pero tampoco con los fans de antaño.

Realmente se siente mucho el amor y cariño que los creadores, escritores y dibujantes pusieron en su trabajo, para darles a los fans todo lo que esperaban, dentro de sus capacidades. Todo lo que uno deseaba saber, como la resolución de la situación Arnold con Helga, el misterio de la desaparición de sus padres, o la revelación (oficial) de su apellido, acompañado de otras revelaciones o confirmaciones (algunas un tanto más sutiles), definitivamente los dejarán satisfechos; sin embargo, quizás no del todo felices.

Un momento que dura demasiado poco

Si hay algún pecado que le podría reprochar a Hey Arnold!: The Jungle Movie, es que no tuvo el tiempo suficiente para darnos por completo todo lo que esperábamos de ella. La película dura aproximadamente una hora con veinte minutos, y se siente como si durará mucho menos. Y es que el clímax final ocurre tan rápido, que ni siquiera te das cuenta cuando llega o cuando termina, y mucho menos logras digerirlo.

Y siento que esto le pegó un poco en contra realmente. Sí bien todo lo más importante que esperaba que se resolviera se resolvió, me hubiera gustado que me dieran más tiempo para asimilarlo y saborearlo. Había aún algunas cosas más que me hubiera gustado ver o que me hubiera encantado que mencionaran, pero ya para al final lo que se puede se menciona por encima, y el resto es ignorado.

Igualmente, por ejemplo, se siente que del gran elenco que compone la serie, realmente usaron a muy poco personajes, y de hecho de ellos, la gran mayoría fueron desaprovechados. Como mencioné más arriba, la gran mayoría de los personajes que aparecen sirven más como mero apoyo para las situaciones, pero en su mayoría uno los siente de más. En contraposición, la película de 2002 creo que hizo un poco más de esfuerzo en utilizar más a los personajes en su totalidad. Sin embargo, la diferencia más grande es que esta película tenía mucho más que contar, y quizás menos tiempo.

Y realmente creo que ese fue gran problema: mucho que contar, y muy poco tiempo para hacerlo. Y quizás suene más a un capricho, y puede que sea cierto. Puede que tantos años de espera, hayan hecho desear a muchos, yo incluido, mucho más. Y realmente se siente que los escritores y el director intentaron hacer todo lo posible para poder lograrlo, y eso realmente se agradece.

Sé que es algo inusual considerando que es un especial para televisión, pero creo que quizás de haberse alargado a dos horas de duración, y poniéndole más énfasis a la última parte, hubiera quedado algo excelente y aún mejor. Sin embargo, como dije, se ve que el staff intentó hacer lo mejor con lo que podía.

Se cierra un ciclo… ¿y comienza otro?

Hey Arnold!: The Jungle Movie, la esperada conclusión de la serie animada

Realmente estoy muy contento de haber crecido acompañado de memorables personajes como los de Hey Arnold!, y haber podido ver hecho realidad este momento en el que luego de más de diez años, al fin la serie tiene su merecido final. La disfruté bastante de principio a fin, me emocioné con cada momento, y estoy seguro de que no fui el único. Pero creo que más allá de si la película fue buena o no, o si cumplió expectativas o no, creo que es bastante significativa la historia de trasfondo que nos llevó a este momento, y cómo demuestra que si los fans hacen el suficiente ruido, pueden llegar a ser escuchados, aunque tome mucho tiempo.

En los créditos finales, se podía leer de hecho una pequeña dedicatoria al respecto que expresaba:

Gracias a todos los fans que escribieron cartas y firmaron peticiones alentando la realización de esta película.

Y la esperada Película de Jungla vino y se fue. ¿Qué sigue ahora? Fuertes rumores han surgido con respecto a la realización de una nueva temporada de la serie, que sería secuela directa de esta película. De momento, hasta dónde se sabe, no hay confirmación alguna de fecha, historia, staff ni nada parecido. Sin embargo, no parece ser algo tan descabellado, considerando el gran revuelo e interés que este especial ha despertado en viejos y nuevos fans. Pero, por supuesto, esto traerá consigo muchas opiniones encontradas.

Por lo pronto, creo que sólo queda esperar a ver qué es lo que nos trae el futuro para Arnold y sus amigos. Y aunque ésta sea la última vez que los veamos, fue un final bastante completo y bastante satisfactorio.

Por WingzemonX (@WingzemonX)
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Mi Novia de Cultivo: Una ofensa a todas las novelas chinas de cultivo https://www.okuroku.com/mi-novia-de-cultivo-ofensa-novelas-cultivo/ https://www.okuroku.com/mi-novia-de-cultivo-ofensa-novelas-cultivo/#respond Tue, 24 Oct 2017 02:41:17 +0000 https://okuroku.com/?p=30243 (Lechería, 23 de octubre. O’kuroku).- Cuando se adapta el género de cultivo de las novelas chinas a las estructuras del anime Shounen japonés, la aberración resultante es “Mi Novia de Cultivo”. Para empezar debo decir que soy un gran fanático de las novelas chinas de fantasía y que en ellas es sumamente común encontrarse con …

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(Lechería, 23 de octubre. O’kuroku).- Cuando se adapta el género de cultivo de las novelas chinas a las estructuras del anime Shounen japonés, la aberración resultante es “Mi Novia de Cultivo”.

Para empezar debo decir que soy un gran fanático de las novelas chinas de fantasía y que en ellas es sumamente común encontrarse con el género de cultivo. Ya sea que uno esté leyendo Wuxia, Xianxia o Xuanhuan, el cultivo es un elemento que se ve con frecuencia.

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¿De qué trata el cultivo? Formalmente se conoce como el proceso mediante el cual se mejora la salud, se incrementa la longevidad y se aumenta de poder; además, muchas veces el fin último es obtener la inmortalidad o la divinidad.

Para explicarlo de forma simple, es cuando el personaje debe entrenar en un arte determinado para ir incrementando su poder a medida que sube de rango de acuerdo a una escala establecida.

Exponentes de este género hay muchísimos y entre ellos hay verdaderas joyas como Against the Gods, Coiling Dragon, Emperor’s Domination, Warlock of the Magus World, Great Demon King, entre otras. Y obviamente, no son pocos los fans que amarían poder ver alguna de estas obras animadas.

No obstante, no deja de sorprender que en tiempos recientes las series animadas basadas en obras chinas no han abarcado este género. En su lugar se habían elegido esperpentos como Gin no Guardian (al que se le ha anunciado segunda temporada), Bloodivores y Cheating Craft.

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Fue por eso que cuando supe de un donghua (serie de animación china) llamado “Mi Novia de Cultivo” me alegré de que finalmente se tomara en cuenta ese género. De hecho, mi alegría me hizo ignorar los comentarios de muchos lectores que decían que era una serie terrible.

Y vaya si tenían razón. Después de ver los primeros 4 episodios de esta serie mis sentimientos van desde la ira hasta la decepción. Y quiero aclarar que no lo digo por los aspectos técnicos.

Que la animación no sea de calidad (sobre todo en las escenas de combate), que el diseño de personajes sea genérico y que la banda sonora sea normalita con un opening olvidable, es algo que espero de las producciones animadas chinas.

La industria de animación de ese país apenas está dando los primeros pasos en firme y está muy lejos del nivel que tienen las industrias de animación japonesa o estadounidense, incluso no creo que esté ni siquiera al nivel de la animación europea.

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Mi problema con esta serie viene desde la decisión de haberla elegido para ser animada, hasta el guión espantoso que tiene, pasando por la pobre dirección con la que ha contado. Pero voy por partes.

Con tantas novelas brillantes para elegir, me parece surrealista que se haya buscado a una que termina siendo una copia barata de un anime Shounen genérico japonés. ¿En serio? ¿Quién decidió eso?

A medida que pasaban los minutos de “Mi Novia de Cultivo”, lejos de recordar a obras geniales como las mencionadas al inicio, mi mente se iba volando a los arquetipos del anime japonés que tanto odio y que me hicieron huir para entrar en el mundo de las novelas chinas.

En primer lugar, tenemos a un protagonista inútil que cae al dedillo en el arquetipo de “princeso pervertido” (uno de los peores tipos de princeso); y luego tenemos que su coprotagonista es una Tsundere tan Tsundere que su personalidad termina luciendo forzada.

Por otro lado, el asunto del cultivo está tan mal explicado y tan pésimamente planteado que una persona que no sepa nada del género seguramente ni se enterará del sistema. De hecho, en muchos momentos sentí que el cultivo no era más que un adorno de fondo para justificar la serie.

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Lo único que ha hecho el protagonista es recibir golpes de la Tsundere, mostrar que es un idiota incapaz de seguir recomendaciones y hacer el tonto. Pero el resultado de todo ese “entrenamiento” es que en el cuarto capítulo ya ha sobrepasado en poder a una asesina que está por encima de la protagonista, quien inicialmente estaba por encima de él. ¿En serio? ¿Dónde está el esfuerzo? ¿Dónde quedó la justificación coherente para que suceda la progresión?

Que sí, que ese último es un power up temporal (al parecer), pero qué casualidad que cuando el chico muere, termina yendo a un limbo donde justo estaba un familiar de la protagonista quien tiene un nivel de cultivo súper alto, pero que igual es lo suficientemente idiota como para tragarse el cuento de que el chico está casado con su pariente y por eso le da parte de su fuerza. Totalmente fortuito…

Y aquí quiero aprovechar para entrar en otro de los enormes problemas de la serie. Su pésima dirección. El ritmo es excesivamente rápido y esto es lo peor que se puede hacer en una serie que trate del cultivo, esto es ir en contra de la esencia del género.

Una novela china típica de cultivo fácil supera los mil capítulos porque las cosas van pasando poco a poco. La idea es mostrar todo el progreso que los personajes van teniendo y el enorme esfuerzo que implica subir cada uno de los niveles y subniveles de la escala. Sin mencionar el énfasis que se pone en que de un nivel a otro la diferencia es enorme.

No obstante, en este anime las cosas pasan volando. Apenas en 4 episodios, el protagonista tomó un power up al robarle el poder a la protagonista mediante un beso, fue detectado por quien será el antagonista, la protagonista y una de las sicarias del antagonista tuvieron una primera pelea; y finalmente, el protagonista “murió” salvando a la protagonista, sólo que en vez de quedarse muerto terminó reviviendo tras recibir un segundo power up. ¿Y mencioné que son episodios de 14 minutos?

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Y si eso no fuera suficiente, el director no pierde momento de tratar de resaltar el fanservice; así que no faltan ni las ropas rasgadas ni las tomas que buscan mostrar las bragas de la protagonista. Supongo que en cierto modo, el Director sabía que el anime era un esperpento y quiso mantener el interés de la audiencia de esa forma.

Cuando yo leí el título me imaginé que los dos estaban en una academia, una secta, una orden, un gremio, un grupo, etc, donde desde el comienzo eran ya pareja y ambos entrenaban juntos para progresar más rápido. Ese setting habría honrado más al título y de paso habría hecho innecesario desarrollar el enamoramiento. Sin mencionar que daría pie a incluir sesiones de cultivo de la pareja donde mostraran la progresión de ambos tanto en su poder como en su relación.

Lo anterior habría dado como resultado un ritmo más lento, una explicación del sistema de cultivo más comprensible y una relación amorosa más creíble, donde se habría enfatizado el esfuerzo de los protagonistas para mejorar.

Por desgracia, en lugar de eso tenemos a un chico que le roba casi todos los poderes a una joven experta con un alto nivel de cultivo porque la besó cuando ella estaba inconsciente; y a partir de allí comienza la clásica rutina del princeso pervertido y la tsundere.

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Yo puedo entender la lógica del chico besándola al tener la oportunidad, pero ese asunto de que la naturaleza del poder de ella permite que con un beso parte de su poder se haya transferido al chico me parece ridículo.

¿Se imaginan los inconvenientes de eso? Y no hablamos de una novata, en el primer episodio de la serie dejan bien claro que ella estaba a punto de ascender. ¿Realmente a ella nunca se le ocurrió una forma de lidiar con ese problema?

Ok, me podrán decir que es joven y que no tiene experiencia amorosa, pero ¿y sus maestros? ¿Y los que crearon ese método de cultivo? ¿Me van a decir que a nadie se le ocurrió que era una debilidad monumental que se pudiera robar la energía tan fácil?

Y eso sin contar que el asunto de que la energía se robe a secas es increíblemente conveniente. Es verdad que al copular, esa conexión del ying y yang permite que uno tome la energía del otro. ¡¡Pero es mutuo!! ¡¡Y tiene que haber relaciones íntimas!!

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Es más, si asumimos que sí, que ese método facilita la transferencia al punto de que un simple beso la activa; lo lógico era que el traspaso fuera mutuo y que el chico terminara muriendo dado que al no tener fuerza terminaría perdiendo su energía vital. Pero supongo que la lógica no interesa demasiado en esta serie.

Honestamente, me da tristeza que se haya invertido dinero en esto habiendo tantas obras infinitamente superiores en todo. ¿Qué criterio se uso para escoger este espanto? Bastaba con ir a los tops de novelas chinas y escoger al azar una de las primeras 20, ¿era tan difícil hacer eso? Nos vemos en la próxima entrega.

Por Shougo Amakusa (@shougoamakusa)

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Voltron Legendary Defender: 4ta temporada prepara el terreno para el clímax de la historia https://www.okuroku.com/voltron-legendary-defender-4ta-temporada-prepara-terreno-climax-la-historia/ https://www.okuroku.com/voltron-legendary-defender-4ta-temporada-prepara-terreno-climax-la-historia/#respond Tue, 17 Oct 2017 13:27:25 +0000 https://okuroku.com/?p=30077 (Monterrey, 15 de octubre. O’kuroku).- Después de sólo un par de meses, Netflix nos trae una corta, pero importante cuarta temporada de Voltron Legendary Defender, que cierra algunos temas y siembra el camino para lo que vendrá. La Tercera Temporada, estrenada apenas en agosto de este año, nos había ya dejado con algunos temas importantes …

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(Monterrey, 15 de octubre. O’kuroku).- Después de sólo un par de meses, Netflix nos trae una corta, pero importante cuarta temporada de Voltron Legendary Defender, que cierra algunos temas y siembra el camino para lo que vendrá.

La Tercera Temporada, estrenada apenas en agosto de este año, nos había ya dejado con algunos temas importantes sobre la mesa: la nueva formación de los Paladines, la introducción de Lotor como villano principal, el regreso de Shiro al equipo, la creación de un frente unido contra el Imperio Galra, y la historia del primer Equipo Voltron, formado por el Rey Alfor y Zarkon, entre otros temas.

La Cuarta Temporada, estrenada el pasado viernes 13 de octubre, retoma en sus sólo seis episodios a nuestros personajes en el momento justo en el que los dejamos, pero con varios cambios imprevistos. Y eso es quizás lo que más caracterizó a esta temporada en general: los cambios imprevistos. Se realizó otro ajuste al equipo, Zarkon vuelve a ser una figura presente en la trama (justo como se había intuido en el final de la temporada anterior), y el papel de Lotor, así como su rumbo, sufre un cambio significativo.

Dos temporadas que se sienten como una

Voltron Legendary Defender: La cuarta temporada prepara el terreno para el clímax de la historia

La separación tan reducida entre ambas temporadas, así como la corta duración de ambas, hace sentir que realmente la Tercera y Cuarta son realmente una sola separada por la mitad, enfocada en conjunto en dos aspectos principales: explicar y cerrar temas, y encaminar a los personajes hacia un pronto desenlace.

Y tal vez sea un poco apresurado sacar dicha conclusión, pero todo parece indicar que los escritores estuvieran apresurando un poco el paso para acercarnos a un próximo final de la historia (que podría suscitarse quizás dentro de una temporada o dos), o en su defecto un cierre de arco, que deje atrás el tema del Imperio Galra, y abra paso a algo más. En lo personal, me inclinaría más por lo primero.

El problema con esto, es que tanto la Tercera Temporada, pero más notorio en la Cuarta, se sintieron algo apresuradas en diferentes puntos. Se llegó a percibir de manera clara el intento de acelerar lo más posible la resolución de varios temas, y la evolución de algunos personajes, a veces de una forma un tanto natural. Varios episodios de esta última temporada, por ejemplo, comienzan ya con la situación planteada, sin tomarse el tiempo para explicarnos como es que se llegó a ésta. Pero el caso más tangible ocurre en el caso de Lotor, cuya presencia como villano principal resultó ser bastante reducida, al igual que sus encuentros con los Paladines de Voltron. Esto provocó que el cambio de papel que sufre tras el regreso de Zarkon, no se sienta tan impactante o revelador como podría haber sido.

La serie sigue manteniendo su estilo y calidad

Dejando de lado la notoria prisa presente, la verdad la temporada siguió cumpliendo de manera perfecta en los estándares de calidad que las anteriores nos habían venido ofreciendo. Igualmente, hay algunas ocasiones en las que la animación parece volverse un tanto floja, pero a su vez hay otras en las que sencillamente demuestra ampliamente de lo que es capaz.

Hay algunos episodios importantes para la evolución de varios personajes, siendo los más afectados en esto Keith, Pidge, Shiro y Lotor. Pidge, de manera particular, tiene uno de los momentos de mayor carga emocional que la serie ha tenido hasta este momento, y que realmente supo bien como transmitir lo que el personaje sentía y pensaba. Sin embargo, en contraposición, otros personajes como Lance, Hunk, y Allura, pasaron un poco a segundo plano, notándoseles menos participación y peso. Sin embargo, esto es hasta cierto punto justificable, considerando el reducido número de episodios y todo lo que se ocupaba contar.

Emoción al máximo para lo que ha de seguir

Voltron Legendary Defender: La cuarta temporada prepara el terreno para el clímax de la historia

La verdad no hay mucho más que decir. Cómo dije, fue una temporada realmente corta. Sin embargo, el hecho de que se haya sentido tanta aceleración en los hechos, a la larga podría convertirse en algo provechoso, ya que dejó la expectativa bastante alta de lo que vendrá, y promete ofrecernos una espectacular Quinta Temporada. En lo personal, quedó realmente a la espera de lo que nos tengan preparado, y espero con ansías más noticias al respecto.

Si alguien aún no ha visto esta serie, recomiendo totalmente verla ahora que su Temporada 4 ha salido, complementando de manera correcta a la Temporada 3. Es una aventura espacial que toma muchos de los aspectos más clásicos de las series similares de los años ochenta, pero igualmente toma los debidos aspectos modernos que hacen que una formula tan clásica, se sienta vigente. Los personajes logran rápidamente engancharte, las escenas de acción son bastante decentes, y en general el manejo de la historia es muy bien llevada.

Voltron: Legendary Defender es definitivamente una serie hecha con el debido cuidado y esmero en cada uno de los aspectos. Viene a ofrecernos su dosis de acción y aventura que en las producciones animadas occidentales actuales se ha vuelto un tanto excusas, y nos promete aún más a futuro.

Por WingzemonX (@WingzemonX)
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Las Leyendas, una serie de animación mexicana que logra sorprender y divertir https://www.okuroku.com/las-leyendas-animacion-mexicana-sorprender/ https://www.okuroku.com/las-leyendas-animacion-mexicana-sorprender/#respond Sun, 08 Oct 2017 20:13:31 +0000 https://okuroku.com/?p=29927 (Monterrey, 8 de octubre. O’kuroku).- Las Leyendas, creada por Ánima Estudios para Netflix, resultó ser una agradable sorpresa; y una muestra de lo que se puede hacer en estos lares con el apoyo y la idea adecuados. Antes de hablar directamente de la serie, me parece que es justo poner un poco de contexto. Cuando …

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(Monterrey, 8 de octubre. O’kuroku).- Las Leyendas, creada por Ánima Estudios para Netflix, resultó ser una agradable sorpresa; y una muestra de lo que se puede hacer en estos lares con el apoyo y la idea adecuados.

Antes de hablar directamente de la serie, me parece que es justo poner un poco de contexto. Cuando hablamos del campo de la animación, tanto películas como series, todos sabemos que son países como Estados Unidos o Japón los que llevan la batuta y los primeros lugares. De vez en cuando, sin embargo, surgen animaciones de otros países como Francia, Italia, o Corea, que logran captar la atención de los medios y el público. Pero una región que no ha podido resaltar mucho en ello a pesar del paso de los años, es precisamente Latinoamérica, cuyas escasas producciones originales suelen tener poco alcance, y normalmente están tachadas como animaciones de pobre calidad técnica y argumental.

En México, si hay un estudio de animación que ha logrado distinguirse aunque sea un poco por su labor, es sin duda Ánima Estudios, quienes trabajaron en la realización películas como El Agente 00-P2, Don Gato y su pandilla y Don Gato: El Inicio de la Pandilla, entre varias otras. Igualmente se les conoce por participar en las producciones de series animadas como El Chavo Animado, El Chapulín Colorado y Generación Fairytale. Todas estas animaciones, dependiendo de a quien le preguntes, pueden ser consideradas entre aceptables y vergonzosas, pero igualmente es destacable el hecho de que un estudio latinoamericano de esta índole haya podido perdurar con el paso de los años y hacerse de cierta presencia.

Pero si hay algún trabajo entre el catálogo de producciones de Ánima Estudios que se puede considerar realmente icónico o característico de dicha productora, es sin duda su saga de películas de Las Leyendas; películas animadas protagonizadas por el mismo elenco de personajes, que tienen que enfrentarse a diferentes espíritus y criaturas sobrenaturales del folclore mexicano. En esta saga de películas, se encuentran La Leyenda de la Nahuala, La Leyenda de la Llorona, La leyenda de las momias de Guanajuato, La Leyenda del Chupacabras, y la próxima a estrenarse, La Leyenda del Charro Negro.

Las Leyendas 2017 La Leyenda de Las Momias de Guanajuato

Las opiniones del público sobre esta serie de películas son muy variadas. Hay a quienes les gustan, otros a los que no les gusta para nada su estilo visual; y otros más que no soportan el estilo de humor. En general, son producciones divertidas y amenas, no muy ambiciosas en su apartado técnico o en su guion; pero que cumplen su cometido de entretener, sobre todo a su público meta que son los niños.

En Octubre del año pasado, se anunció que se estaría trabajando en una serie animada basada en los personajes y el ambiente de la saga de Las Leyendas, que llevaría justamente ese título, y que sería producida como serie exclusiva para Netflix. La serie fue estrenada el pasado febrero en dicha plataforma, y desde entonces ha obtenido comentarios bastantes positivos por parte de los fans, y no tan fans, de las películas originales, al tiempo que ha sabido captar a un nuevo público. Recientemente he tenido la oportunidad de ver los trece episodios que componen su primera (y de momento única) temporada, y la verdad no puedo evitar subirme a ese mismo carro, ya que la serie en verdad logró sorprenderme.

Las Leyendas, como se dijo antes, tiene como protagonistas a los mismos personajes de las películas originales. Se ubica alrededor del Siglo XVIII, en la Nueva España, tiempo antes de la lucha de Independencia, y nos presenta a Leo, un joven de un pequeño pueblo que tiene la capacidad de ver y hablar con criaturas sobrenaturales, entre ellos dos fantasmas: una chica pelirroja llamada Teodora de actitud arrogante y ropas extrañas, y un conquistador español llamado Don Andrés, un hombre algo temeroso y ambicioso, pero chistoso a la vez. Además también se encuentra Alebrije, una criatura mágica inocente y de gran olfato, cuyo cuerpo se compone de diferentes colores, y cada persona lo ve con la forma de diferentes animales, dependiendo de cada uno. Leo y sus singulares amigos, tendrán que emprender un viaje alrededor del mundo, buscando aliados que los ayuden a detener el surgimiento de Quetzalcóatl, evento que traerá consigo el fin del mundo entero si es que sucede.

Cronológicamente se podría especular que la serie se encuentra justo después de La Leyenda de la Nahuala, pero se presenta como un material bastante independiente de las películas, contando su propia historia que puede verse sin necesidad de haberlas visto con anterioridad, pero a la vez dando varias explicaciones y llenando huecos que las películas no.

El cambo visual es quizás lo más notable cuando uno pasa de ver el estilo de las películas y luego el de la serie. De los diseños originales de los personajes se ha respetado su esencia, pero se les ha dado un estilo que a primer vistazo se puede ver mucho más simple. Sin embargo, una vez que ya ves los diseños en acción, se les puede notar mucha naturalidad y fluidez en sus movimientos y en sus expresiones. Los personajes ya no se ven tan acartonados como en otras series, como por ejemplo El Chavo Animado. Aunque es verdad que en comparación con las películas se les nota menos detalles, y se prescindió en gran medida de las sombras. La verdad me parece que el diseño y la animación cumplen en su gran mayoría, sin tener que envidiarle nada a otras caricaturas de los últimos años, e incluso en ocasiones viéndose mejor que varias de ellas.

La historia, si uno se basara en su sinopsis, esperaría que fuera algo como La Leyenda de Quetzalcóatl, o en otras palabras, que seguiría mucho del estilo propio de las películas. Sin embargo, para mi sorpresa, la serie presenta una idea un tanto más arriesgada y ambiciosa, ya que se basa principalmente en un viaje, en el que nuestros protagonistas visitaran diferentes puntos del mundo, y nos presentarán diferentes leyendas y mitos propios de esos lugares; algunos muy conocidos, otros no tanto. Obviamente, la serie se toma muchas, pero muchas, libertades al momento de presentarnos estas leyendas, pero logra hacerlo en su mayoría de una forma aceptable.

Las Leyendas 2017 Quetzalcoatl

En general la serie es bastante divertida, con muy buenos momentos de humor, algunos bastante ingeniosos. Pero además de eso, presenta, sobre todo ya cerca de su final, algunos momentos serios realmente bien trabajados, y varios misterios resueltos que me dejaron asombrado. En un inicio pareciera que la serie no podrá aportar nada interesante o novedoso, pero conforme progresan sus episodios te vas adentrando más y más en este mundo, y sobre todo en los personajes que lo conforman. Y creo que lo más resaltante de la serie, fue precisamente sus personajes.

Ya sea que hayas visto las películas originales o no, es bastante fácil encariñarte de inmediato con los protagonistas ya conocidos, así como con los personajes nuevos. En tan sólo trece episodios logran presentártelos y desarrollarlos muy bien, sobre todo a los personajes de Leo, Marcela y Teodora, que se llevaron la serie por su encanto, sus historias y como van progresando en la serie. Pero no sólo los protagonistas resaltan, sino también los villanos, desde el monstruo de turno en cada episodio, hasta los villanos principales como Baba Yaga y Quetzalcóatl. Realmente disfruté mucho ver a estos personajes aquí, y la forma en la que definieron mejor sus personalidades, sus porqués y sus cómos, me pareció excelente.

Sin embargo, la serie no dedica el mismo tiempo y esfuerzo en desarrollar o presentarnos a Don Andrés y a Alebrije, que son nuestros otros dos protagonistas. Aunque cada uno tuvo su episodio dedicado, en realidad no llegamos a conocer tanto de ellos como nos hubiera gustado.

Igualmente, aunque arriba mencioné que la serie tiene muchos momentos divertidos, tiene otros que no lo son tanto, y algunos chistes que llegan a ser incluso algo incómodos, o poco originales. Son la minoría, pero cuando ocurren la situación se vuelve un poco chocante.

Pero si hay algo que me llegó a molestar un poco de la serie, sin embargo, fue las inconsistencias en lo que respecta al mundo en el que se desarrolla la historia, sobre todo en el caso de los fantasmas y qué podían hacer y qué no. A veces nadie los puede ver más que Leo, otras veces todo el mundo puede verlos. A veces esto último es algo extraño, y otras algo muy normal. A veces no pueden tomar objetos sólidos, o esto les cuesta mucha energía, y otras veces lo hacen cómo si nada. También manejan de manera algo irresponsable algunos elementos sobrenaturales, y que igualmente no especifican bien su naturaleza o cómo funcionan; por ejemplo, los portales de tiempo.

Y muchos podrían decir que esto es propio de una caricatura, y que no tiene que ser tan cuidadosa en esas cosas, y que principalmente se basan en la comedia y no en crear un mundo complejo y con reglas, pero no estoy de acuerdo. Series actuales, con un esquema similar a ésta de humor y aventura, como Gravity Falls o Steven Universe, han sabido especificar bien las reglas de su mundo, y se apegan a ellas en cada episodio. Aquí, se puede llegar a sentir que no lo hicieron por falta de cuidado, o incluso pereza en pos de no alentar la trama. Y la verdad me resulta algo decepcionante, ya que por partes se siente un gran trabajo y cuidado en lo que hizo, pero en otras se percibe todo lo contrario.

Las Leyendas 2017 Leo, Teodora, Don Andres y Alebrije

Fuera de lo antes mencionado, realmente la serie me pareció muy bien realizada, y cumple muy bien con los estándares de las series de animación actuales, e incluso sobresale en ocasiones. En lo personal, me pareció una propuesta bastante interesante y muy bien expuesta, en una plataforma que da pie a que pueda ser vista por un público mayor a que fuera exhibida solo en televisión o en los cines. Si se quedara únicamente con una sola temporada, me parecería aceptable. Sin embargo, igualmente no me quejaría de ver otra temporada más, principalmente para ver más a los personajes en este contexto algo más detallado y relajado.

La recomiendo totalmente para aquellos que sean fans de la animación, y sobre todo para apoyar un poco la realización de más producciones originales de este tipo en la región.

Por WingzemonX (@WingzemonX)
Para leer otros de mis artículos de opinión pueden ir a mi blog WingzemonX Opina.
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NEO YOKIO, un aborto de «anime» de Netflix que no debió ver la luz del sol https://www.okuroku.com/neo-yokio-netflix-review/ https://www.okuroku.com/neo-yokio-netflix-review/#comments Fri, 22 Sep 2017 14:39:02 +0000 https://okuroku.com/?p=29692 (Madrid, 22 de Septiembre. O’kuroku).- Hoy se estrenó en Netflix el nuevo proyecto protagonizado por Jaden Smith y de clara inspiración en el anime: NEO YOKIO. ¿El veredicto? Es una basura. En el momento en que escribo estas líneas apenas llevo 10 minutos vistos y estoy tratando con todas mis fuerzas de terminar de ver …

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(Madrid, 22 de Septiembre. O’kuroku).- Hoy se estrenó en Netflix el nuevo proyecto protagonizado por Jaden Smith y de clara inspiración en el anime: NEO YOKIO. ¿El veredicto? Es una basura.

En el momento en que escribo estas líneas apenas llevo 10 minutos vistos y estoy tratando con todas mis fuerzas de terminar de ver los otros 12 del primer episodio. Mis esfuerzos de momento son un fracaso.

Edit Octubre 2017: Ya completé Neo Yokio y conservo el juicio inicial palabra por palabra. Es un ejercicio de paciencia ver esta basura.

Hacía tiempo que no veía un bodrio de este nivel. Y eso teniendo en cuenta que acabo de reseñar un anime chino mediocre. NEO YOKIO es una serie creada por Ezra Koenig, el líder de la banda de rock indie Vampire Weekend. Y que vuelva a la música, porque la producción de series animadas no es lo suyo.

La serie, cuya primera temporada cuenta con 6 episodios, forma parte de los esfuerzos de Netflix por producir sus propios anime. Ya hemos visto ejemplos como la serie en CG Blame! y la adaptación de Castlevania. Ambas con resultados mixtos. ¿Pero esto? Un total desperdicio de dinero.

¿Como rayos se aprobó la emisión de esto?

Lo que solía ser una garantía de calidad, ahora se ha convertido en una mezcla de aciertos y desaciertos bastante equilibrada. Netflix cada vez da salida a más proyectos mediocres, pero acá se han superado a sí mismos. Y no en el buen sentido.

En la larga historia de colaboraciones japonesas y americanas para producir una serie animada, nunca habíamos llegado a un nivel tan bajo. Koenig, quien comparte créditos de productor ejecutivo con Nick Weidenfeld, Hend Baghdady y Angela Petrella, de alguna manera logró convencer a Netflix de que esto era buena idea.

Además, consiguió que un par de A-Listers de Hollywood prestaran sus voces a los personajes, añadiendo una mancha a sus currículos ilustres. Y no hablamos de Jaden Smith, quien es propenso a este tipo de desaciertos. Nos referimos a Susan Sarandon y Jude Law. También a conocidos intérpretes como Stephen Fry, Steve Buscemi o Jason Schwartzman.

NEO YOKIO también cuenta con la chica que se hizo famosa como blogger de moda, Tavi Gevinson, interpretando a una… blogger de moda. O nombres como Alexa Chung o las personalidades The Kid Mero y Desus.

Del lado japonés del asunto los que ensucian un poco sus nombres son Kazuhiro Furuhashi (Ranma 1/2, Rurouni Kenshin, You’re Under Arrest, Get Backers) y Junji Nishimura (Soul Hunter, Ranma 1/2, Urusei Yatsura, Samurai Deeper Kyo). De igual modo queda en evidencia Studio Deen, responsables de varios animes de éxito desde los años 80.

Es que ni se por donde empezar a hablar de lo que está mal con NEO YOKIO, que es básicamente todo.

NEO YOKIO y su gran problema: su propia existencia

NEO YOKIO Netflix
Quizás la idea tenía potencial ¿Pero la ejecución? No

Esta serie de animación norteamericana, a la que no me atrevo a clasificar como anime, pese a su estética, es una afrenta a todo lo sagrado. Una vergüenza para la larga tradición de la animación americana y japonesa.

Su historia nos presenta a la ciudad ficticia de NEO YOKIO, que a todas luces es Nueva York, con un nombre «ajaponado». En ella viven los aristomagos, exorcistas del viejo mundo que se hicieron ricos en la ciudad por cazar demonios.

Nuestro protagonista es Kaz Kaan, un joven de tez morena y cabello rosado que está deprimido tras romper con su novia. Y contra su voluntad debe ir a exorcizar a una joven blogger de alta sociedad. Pero no intentemos hacer una review, todos sabemos que no terminaré de ver esta basura. Ni siquiera el primer episodio.

La animación es espantosa, de una factura más baja que muchos de los peores anime en emisión en los últimos 20 años. El diseño de personajes es genérico. El guión pretencioso y francamente estúpido ¿Quien pensó en estos diálogos por Dios?

¿El trabajo de voz? De alguna forma Koenig logró convencer a muchos nombres conocidos ¿Pero cuanto les pagó? Incluso si lo hicieron gratis, les dio demasiado. Voces acartonadas, ningún esfuerzo por fingir que actuaban. Seguramente todos estaban claros de que NEO YOKIO era una basura y no quisieron hacer el más mínimo esfuerzo. ¿Con que les chantajeó Koenig?

Tampoco ayuda que la pista de voz parece superpuesta a las malas sobre la «animación». O que la banda sonora por momentos parece que hubiese sido grabada en midi. Mi gran duda visto lo visto es ¿Por qué no tengo millones de dólares en el banco? Si esta porquería pudo llegar a Netflix yo también puedo producir una película. 

 

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La cuarta temporada de Bojack Horseman es una oda la depresión https://www.okuroku.com/la-cuarta-temporada-de-bojack-horseman-es-una-oda-la-depresion/ https://www.okuroku.com/la-cuarta-temporada-de-bojack-horseman-es-una-oda-la-depresion/#respond Sun, 17 Sep 2017 11:55:46 +0000 https://okuroku.com/?p=29557 (Santiago, 17 de Septiembre. O’kuroku).- Necesité varios días para poder digerir la cuarta temporada de Bojack Horseman y es que ésta ha sido probablemente la más fuerte de todas. En ella se analizan los mismos temas sobre la depresión, ansiedad y adicción, pero también se exploran los efectos del machismo, la importancia de la familia …

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(Santiago, 17 de Septiembre. O’kuroku).- Necesité varios días para poder digerir la cuarta temporada de Bojack Horseman y es que ésta ha sido probablemente la más fuerte de todas. En ella se analizan los mismos temas sobre la depresión, ansiedad y adicción, pero también se exploran los efectos del machismo, la importancia de la familia y lo efímero del tiempo.

Lo básico de la historia

Esta serie animada creada por Raphael Bob-Waksberg y diseñada por Lisa Hawalt se centra en la vida de Bojack Horseman. Es un mundo donde animales antropomórficos viven junto a humanos regulares. Nuestro protagonista es un actor que tuvo éxito en los 90’s y ahora se dedica a comer, emborracharse y drogarse todo el día viendo repeticiones de su antiguo show, Horsin’ Around.

Me gusta describir esta serie como “la serie que te ayuda a curar la ansiedad y depresión al forzarte a aceptar tu ansiedad y depresión, pero en el proceso te da más ansiedad y depresión”. Muy simple ¿verdad?

Al terminar la tercera temporada Bojack contemplaba suicidarse, Princess Carolyne tenía éxito en el trabajo y el amor, Diane consiguió un nuevo trabajo, Todd descubrió su sexualidad, Mr. Peanutbutter considera ser político y una chica (¿yegua? ¿potranca?) podría ser la hija perdida de nuestro protagonista.

De las risas a las lágrimas

En el pasado hemos visto como nuestro protagonista busca con desesperación la paz mental y felicidad, pero en el camino arruina las vidas de quienes le rodean y se hunde cada vez más en su miseria.

Usualmente una situación externa gatilla alguna las actitudes destructivas de Bojack y cuando se da cuenta del daño que está causando, ya es muy tarde para repararlo. Sin embargo, en el primer episodio no aparece el protagonista y la única persona que está interesada en su paradero es Diane.

En este episodio podemos ver un poco como el distanciamiento de Bojack parece haber influenciado positivamente en las vidas de todos sus amigos. Se insinúa que uno de sus miedos más grandes es real: todos están mejor sin él. El tiempo pasa y solo una persona lo extraña.

Lleno de sutiles (y no tan sutiles) guiños a los resultados destructivos del machismo del pasado, el segundo episodio de la temporada nos muestra dos realidades igual de tristes.

Y es el Tiempo uno de los aspectos más interesantes que utiliza la serie. Sutilmente la trama ha ido girando su enfoque para concentrarse en la intolerancia al presente, el miedo al futuro y el rencor al pasado. Debemos esperar al segundo episodio para saber dónde está Bojack y en este se refuerza más la ambivalencia del tiempo y su poder destructivo sobre nosotros.

Me pregunto si soy la única que quedó inmensamente encariñada con esta luciérnaga.

Este es uno de los episodios más desgarradores, vemos parte de la infancia de la madre de Bojack, a quien siempre hemos visto como un ser cruel e insensible, y nos encontramos a una niña inocente afectada por los pensamientos de la época, literalmente una víctima de su propio Tiempo.

Mala temporada para Princess Carolyn

La ambiciosa ex-agente es definitivamente el personaje con el que mejor me identifico. Verla sufrir me hizo odiar inmensamente a Bojack y su egoísmo. Pero en esta ocasión, no hay culpable a quién achacarle su desilusión y tristeza.

Sabemos que Princess Carolyn es hija de inmigrantes pobres, así que su búsqueda de hacer una familia resuena con más fuerza para aquellos que sabemos lo que significa haber luchado para pertenecer a un lugar. En estos casos, los lazos familiares se vuelven todo lo que tienes.

En el episodio 9 “Ruthie” se subvierte y juega con la percepción del tiempo que el show ha establecido. Narrado por una gata del futuro, descendiente de Princess Carolyn, vemos uno de los días más difíciles en su vida: la pérdida del bebé que está tratando de tener.

El doctor da la noticia fríamente y su mayor amabilidad es ofrecer llamar a alguien para que busque a Princess Carolyn. Su respuesta es «No necesito a nadie» y condensa perfectamente como cualquier virtud puede transformarse en un defecto. En este caso su independencia y renuencia a apoyarse en los demás sirve para exacerbar su sufrimiento.

Creciendo con el tiempo

Su reacción es triste y evoca la autodestrucción de Bojack. No se permite sentir dolor, en un arrebato termina su relación con Ralph, el único tipo que la ha tratado bien, y empieza a beber compulsivamente.

La regia y poderosa Princess Carolyn debe aprender a ser vulnerable frente a los demás si quiere alcanzar la felicidad.

Sin embargo, el punto de quiebre es el final. Al inicio creímos que todo saldría bien porque en el futuro está Ruthie, su descendiente. Pero durante una llamada telefónica Princess Carolyn revela que le gusta imaginar a su tátara-tátara-nieta hablando sobre ella cuando tiene un mal día. Todo el formato del episodio es solo parte de la fantasía que Princess se dice a sí misma para no decaer.

Princess tuvo un crecimiento fascinante. Poco a poco deja su necesidad compulsiva de sacrificarse por los demás y atender sus necesidades por encima de las suyas. Pero el cambio más importante lo vemos en una de sus últimas escenas de la temporada donde finalmente pide la ayuda de alguien abiertamente.

Que ese alguien resulte ser Bojack es terriblemente irónico y no puedo esperar a ver a donde la lleva.

 

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Rick and Morty. El loop del absurdo https://www.okuroku.com/rick-and-morty-loop-del-absurdo/ https://www.okuroku.com/rick-and-morty-loop-del-absurdo/#respond Fri, 25 Aug 2017 13:00:28 +0000 https://okuroku.com/?p=29169 (Buenos Aires, 25 de Agosto. O’kuroku).- Hacia la mitad de la tercera temporada de la exitosa serie animada Rick and Morty, nos sorprenden como audiencia con una dupla no explorada antes: A Rick and Jerry episode, dice Rick al principio del capítulo. Está suerte de Doctor Brown nihilista se embarca en una tarde con su …

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(Buenos Aires, 25 de Agosto. O’kuroku).- Hacia la mitad de la tercera temporada de la exitosa serie animada Rick and Morty, nos sorprenden como audiencia con una dupla no explorada antes: A Rick and Jerry episode, dice Rick al principio del capítulo.

Está suerte de Doctor Brown nihilista se embarca en una tarde con su odiado exyerno, y al igual que hacían Los Simpsons, su estructuración nos lleva de lo cotidiano a lo absurdo sin escalas. Su capacidad para deconstruir lo conocido y desdoblarlo es su característica primordial. Como bien dice Beth: “¿Que más podría significar “Revertir”?” justo antes de hacer que su hija se convierta en un prototipo de titan de Shingeki no Kyojin (Ataque de los titanes).

Lo particular de este episodio es que nos demuestra como los fake-nice-guys, como Jerry o Gus Cruikshank de la serie Love de Judd Apatow, a veces pueden ser los más peligrosos. En su patetismo se esconde la abundante miseria de la humanidad, la parasitaria estrategia de atraer a sus presas con la lástima y la bondad para luego traicionarte o hacerte sentir culpable. “Actúas como presa, pero eres un predador; usas piedad para atraer a tus víctimas, así es como sobrevives”. Cada situación que transitamos Rick and Morty, sirve para recordarnos que nada es certero ni lo que aparenta.

Visualmente resulta uno de los mejores episodios de la temporada hasta ahora, en su experimentación psicodélica y teórica de atravesar un agujero de gusano. Además nos muestra un viaje mental cuasi espiritual en el que convergen sobre todo Jerry y Rick.

Pero nuevamente con la premisa pesimista acerca de la imposibilidad real del cambio la fantasía se rompe cuando Rick le dispara a su enemigo, luego de desplegar su intrincado sistema ciborg cuya funcionalidad es disparar una sopapa. Conquistas planetarias, razas alienígenas de diversas calañas, ciborgs, agujeros de gusano. Todo eso se resume en la continuidad de lo mismo y ambos personajes retornan como si las revelaciones sucedidas en el plano extracorporal jamás hubiesen ocurrido.

Incluso en un universo tan alocado como el de Rick and Morty, no podemos escapar de situaciones que a todos pueden llegarnos. Una madre divorciada que no sabe cómo lidiar con sus hijos, adolescentes con body issues, la dificultad de entablar vínculos. Incluso después de haber compartido una eternidad en un agujero de gusano.

Mientras que una serie tan exitosa como Los Simpsons supo encandilarnos con sus ocurrencias desde los noventa y más allá, en el ocaso de la familia amarilla podemos acoger un nuevo grupo disfuncional y apropiarnos de sus ocurrencias de las cuales podemos reírnos. Pero que en el fondo no dejan de hacernos saber que la vida es efímera y nada tiene sentido.

Por Abril Taker
Imágenes: Rick and Morty, LLC

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Castlevania de Netflix, una adaptación fiel pero imperfecta https://www.okuroku.com/castlevania-netflix-review/ https://www.okuroku.com/castlevania-netflix-review/#respond Fri, 21 Jul 2017 01:05:17 +0000 http://yakuzaweb.com/?p=27095 (Madrid, 20 de Julio. Yakuza Webzine).- La historia de la lucha entre los Belmont y Dracula, nos ha dado horas y horas de entretenimiento. Ahora, la saga de Castlevania ha dado el salto a la pantalla, en forma de una miniserie de Netflix que ya ha alcanzado algunos honores inesperados. El primero de ellos es …

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(Madrid, 20 de Julio. Yakuza Webzine).- La historia de la lucha entre los Belmont y Dracula, nos ha dado horas y horas de entretenimiento. Ahora, la saga de Castlevania ha dado el salto a la pantalla, en forma de una miniserie de Netflix que ya ha alcanzado algunos honores inesperados.

El primero de ellos es que ya ha sido renovada para una segunda temporada. ¿El segundo? Que es la primera adaptación de un videojuego que tiene calificación de «Fresco» en Rotten Tomatoes. Y vaya que eso es complicado. Las adaptaciones de videojuegos han tenido poca suerte en el agregador de criticas y reseñas por excelencia. Sin embargo esta producción ostenta un 91% de aprobación y una calificación promedio de 6.87 sobre 10. Más que aceptable.

¿Es justa esa calificación? Totalmente.

Aunque nos ha sido vendida como un anime, por la fuerte influencia visual de la animación japonesa, Castlevania es una serie de animación 100% estadounidense. Su guion está basado en Castlevania III: Dracula’s Curse, un juego de 1989. Warren Ellis fue el encargado de adaptarlo en 2007 y no llegó a producirse hasta el 2015. Ese año los estudios de animación Frederator Studios y Powerhouse Animation Studios unieron fuerzas con Netflix y el resultado vio la luz el pasado 7 de julio.

En mi caso tuve ocasión de verla el día 9 de julio y no es sino hasta hoy que me animo a escribir esta critica.

Potencial sin alcanzar

La serie tiene un guion que adapta muy bien el juego en el que está basado. No obstante, estos primeros episodios están plagados de clichés de las historias de vampiros. Después de todo estamos hablando de un juego de Konami cuya estructura era muy simple. La narrativa del juego estaba muy limitada, presentándonos a Trevor Belmont quien busca acabar con Dracula y evitar que su armada demoníaca destruya la Europa del Este del siglo XV.

En su aventura se encuentra con tres aliados, la hechicera Sypha, el pirata Grant (ausente en la adaptación) y el mismísimo hijo del vampiro, Alucard. 

La serie parece saber cuales son las emociones que deben impulsar el proyecto y las ideas para hacerlo. Sin embargo, a la hora de ejecutar parece que aun necesitan un poco más.

Más allá de la violencia desmedida y el gore rampante, Castlevania trata de presentarnos a Dracula como un personaje complejo. No un simple villano caricaturizado. Intentan hacer que nos identifiquemos con él y sin embargo siguen teniendo un villano caricaturesco… solo que no es el vampiro. Se trata de la Iglesia Católica.

Si bien es históricamente correcto que en la Edad Media la Iglesia no era de fiar, en Castlevania tenemos un sacerdote que se dedica a sabotear a los héroes sin causa aparente. Todo el subplot de la Iglesia terminó siendo tiempo perdido que nos apartó de la ruta correcta. Y no porque no tuviera potencial la premisa. La debilidad estuvo en el modo en que las acciones de la Iglesia carecían de inteligencia. Los sacerdotes parecían criminales comunes.

Además, la serie tiene problemas de ritmo. El primer episodio captura la atención, pero luego buena parte del segundo y tercero son demasiado lentos. No es hasta el final que la serie empieza a calentar motores, con el encuentro entre Trevor y Adrian Tepes.

La animación por momentos deja mucho que desear, si bien el diseño de personajes es excelente. Está claramente inspirado en Symphony of the Night, uno de los mejores juegos de la franquicia. 

Castlevania acaba pronto y al hacerlo justo cuando empezaba a ir bien te deja con ganas de más. ¿La misión de los productores? Mantener un nivel estable de calidad de animación y caracterizar mejor a los personajes. Si lo logran, podrían marcar un hito e insuflar nueva vida a las adaptaciones de videojuegos.

Resta ver si son capaces de hacerlo.

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RWBY chibi s02e03 al 07: Altos y bajos marcan este inicio de temporada https://www.okuroku.com/rwby-chibi-s02e03-al-07-altos-bajos/ https://www.okuroku.com/rwby-chibi-s02e03-al-07-altos-bajos/#respond Sun, 02 Jul 2017 13:18:26 +0000 http://yakuzaweb.com/?p=26989 (Lechería, 02 de julio. Yakuza Webzine).- Tal y como fue una característica de la temporada pasada, RWBY chibi ha iniciado con altos y bajos; aunque ahora los cambios están siendo más frecuentes. Este spinoff nació para mostrarnos a nuestros personajes favoritos en situaciones cómicas que no tenían cabida en la serie principal; además, es obvio …

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(Lechería, 02 de julio. Yakuza Webzine).- Tal y como fue una característica de la temporada pasada, RWBY chibi ha iniciado con altos y bajos; aunque ahora los cambios están siendo más frecuentes.

Nota RWBY chibi s02e03 al 07 03

Este spinoff nació para mostrarnos a nuestros personajes favoritos en situaciones cómicas que no tenían cabida en la serie principal; además, es obvio que los escritores siempre estaban buscando nuevos escenarios para desarrollar el humor.

Nota RWBY chibi s02e03 al 07 01

Las consecuencias de esa búsqueda era que algunas veces teníamos capítulos que estaban en un nivel inferior respecto a los otros; sin embargo, estos episodios eran poco comunes por lo que no tenían un gran impacto en la apreciación total.

No obstante, tras un fuerte comienzo marcado por dos muy buenos primeros episodios; los dos siguientes no lograron mantener el nivel y se sintió un bajón en la serie. Pero de nuevo debo decir, que esto es una consecuencia natural de la búsqueda de nuevas fórmulas; sería mucho peor repetir los mismos chistes una y otra vez.

Nota RWBY chibi s02e03 al 07 02

Por fortuna, los últimos tres episodios han estado geniales. Segmentos como “Fearless Hero”, “Whistle”, “Super Besties” y “Evil Class” son los que hacen que amemos esta serie. Y esos momentos son el producto de ese proceso de ensayo y error creativo.

Fue genial ver a Jaune como todo un héroe al estilo Batman (aunque al final terminara siendo el Jaune que todos conocemos); fue hilarante ver a Blake y a Velvet reprender a Ruby por usar el silbato para perros; y fue excelente ser testigos de cómo Ruby hipnotizaba a sus compañeras. Sin mencionar lo divertido que fue ver a Cinder dando clases.

Nota RWBY chibi s02e03 al 07 04

Obviamente estoy esperando a que llegue el próximo sábado para ver qué nuevas situaciones vivirán nuestros héroes (y los villanos) en sus versiones más pequeñas. Y no olvidemos que cada vez queda menos para el 5to volumen de RWBY.

Por Shougo Amakusa (@shougoamakusa)
Si desean seguir la serie, pueden hacerlo en la página web oficial.

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